인 다이얼로그(In Dialog)는 세계미술과 한국미술의 미술사적 맥락을 연결하기 위해 기획된 전시 프로젝트다. 첫 번째 프로젝트에서 루치오 폰타나와 곽인식의 만남이 이루어진 데 이어 이번에는 아그네스 마틴과 정상화의 작품이 대화를 이어간다. 한국의 단색조 추상 회화를 대표하는 정상화의 작품은 아그네스 마틴의 작품과 함께 논의할 만하다. 아그네스 마틴이 명상으로부터 얻은 영감을 시적 감수성이 넘치는 회화적 언어로 표현할 무렵, 한국에서는 아방가르드한 실험미술과 함께 수행성이 강조된 단색조 추상회화가 중요한 움직임을 만들고 있었다.

1960년대, 전위적이고 저항적인 미술 실험에 적극 동참한 정상화는 오랜 기간 일본과 프랑스에서 활동하며 현대미술 최전선에서 벌어지는 움직임을 직접 경험했다. 1970년대 이후에는 작가의 작업세계가 집약적으로 농축된 백색의 기하학적 추상이 화면 위에 나타난다. 이 전시에서는 정상화의 작품세계와 아그네스 마틴과의 미학적 관계를 탐구하기 위해 가장 절제되고 정제된 백색추상의 대표작들을 선별하여 소개한다.

느린 속도로 작품을 감상하면 화면 위 서로 연결된 작은 사각의 경계에서 들고나는 깊이를 느낄 수 있다. 고요하고 차분하며 정적이고 명상적인 색의 변주 앞에서 감상자의 시선은 깊이 빠져든다. 이러한 몰입의 경험은 정상화가 취하고 있는 고유하고 독특한 회화 기법과 무관하지 않다. 매지 않은 캔버스에 순백의 고령토를 덮어 바른다. 꾸덕꾸덕해진 캔버스를 가로세로 주름잡듯 접고 꺾어 금이 가면 뜯어내고 그 자리를 아크릴 물감으로 메운다. 바르고 말리고 꺾고 접고 뜯고 메우는 과정이 반복의 반복을 거치면서 정상화 고유의 평면이 드러난다. 이러한 과정에서 생성된 정상화의 작품은 그려진 그림이 아니라 만들어진 그림이다. 작업은 작가의 치밀한 계획에서 시작되지만 마치 스스로 형태를 찾아가듯 자연스럽게 확장된다. 완벽한 조화, 완벽한 균형, 완벽한 형태에 이르면 작가의 손은 멈추고 작품은 완성된다.

정상화는 자신의 창작행위를 ‘일’이라 칭한다. 창작행위에 특별한 의미를 부여하지 않으려는 작가의 태도가 엿보인다. 작업을 대하는 태도에서 그리고 그가 살아온 삶의 방식에서도 덧붙이거나 채우기보다 덜어내려는 흔적이 역력하다. 평면에서 평면을 찾아들어갈 뿐 읽어야 할 의미나 특정한 내러티브를 담지 않는다. 드러내고 메우는 과정의 숱한 반복을 통해 평면 속에 깃들어 있는 무한대의 평면을 밝힌다. 그만큼 작업의 과정과 작업 중 이루어지는 행위가 결정적이다. 하나의 색 안에 녹아 있는 뉘앙스를 달리하는 무수한 색 그리고 시각적 촉각을 유발하는 미묘한 결의 움직임은 ‘하나의 전체’로 경험된다.

In Dialog is an exhibition project designed to connect the art historical contexts of global art and Korean art. In Dialog: Chung Sang-Hwa anticipates a dialog between the works of Chung Sang-Hwa, representing monochrome abstract painting in Korea, and Agnes Martin.

Chung Sang-Hwa’s “white abstraction” embodies the artistic world of an artist who has traversed Korea, Japan, and France, experiencing the forefront of contemporary art. In this exhibition, a selection of his most restrained white abstract works is introduced to explore the aesthetic relationship between Chung Sang-Hwa’s geometric work, which emphasizes performative aspects, and Agnes Martin’s painting, characterized by poetic sensibility.

Viewers who absorb the pieces at a slower pace may feel the depth that emerges from the boundaries between the small interconnected squares on the canvas. They may find their gaze reaching the depths of the serene, calm, static, and meditative variations of color. This immersive experience is born of the unique and distinctive painting technique deployed by Chung. The unstretched canvas is covered with a layer of pure white kaolin. The gooey canvas is then folded and bent along horizontal and vertical axes. Where cracks appear on the canvas, the dried clay is torn away, and the spaces are filled in with acrylic paint. This process of applying, drying, bending, folding, tearing, and filling is repeated over and over again, revealing Chung’s signature surface. The paintings created through this process are not painted but rather made. The work begins with the artist’s meticulous planning but then expands spontaneously, as if settling into its own form. When it reaches perfect harmony, perfect balance, and perfect form, the artist steps away, and the work is complete.

Chung Sang-Hwa refers to his creative activity as “work,” revealing a reluctance to attach any special meaning to the act of creation. His attitude toward his work and the way he lives his life are characterized by a desire to subtract rather than add or fill. He discovers surfaces within surfaces without imbuing them with specific narratives or hidden meanings to be interpreted. Through the countless repetitions of revealing and filling, he illuminates the boundless surface within the surface. The process of the work and the actions performed throughout that process are key to the final outcome. The myriad of chromatic nuances melted into a single color and the subtle movements in the grain that trigger a sensation of visual tactility are experienced as a whole.

Sorol-Posters-01254

정상화 전시전경 (1)

정상화 전시전경 (2)

정상화 전시전경 (3)

정상화 전시전경 (4)